Permanent Green Light en streaming VF HDLIGHT

video

Liens de Téléchargement

Uptobox Fastdownload HDLIGHT (VF)

Synopsis et détails

Permanent Green Light
Réalisateur(s) : Dennis Cooper, Zac Farley
Acteur(s) : Benjamin Sulpice, Julien Fayeulle, Théo Cholbi
Catégorie(s) : Drame
Langue : VF

Dans le nord de la France, un jeune homme est obsédé par l’idée de se faire exploser en public. Il n’est pas suicidaire. Il n’est pas motivé par l’idéologie. Il s’intéresse simplement à l’effet sur les gens.

1 commentaire pour le film “Permanent Green Light” :

  1. Anonyme dit :

    PERMANENT GREEN LIGHT: LE RÊVE DÉMARRANT DE L’AUTO-EXPLOSION SECRET D’UN ADOLESCENT

    Dans le monde de Dennis Cooper, les enfants sont comme les troupeaux spéciaux – le groupe d’animaux étranges et étranges dont le regard et l’intensité de leurs désirs non dissimulés et de leurs rêves nous captivent. Peut-être, comme tous les autres enfants d’iGen, ils parleraient aussi à travers l’écran, échangeraient de vulgaires mots vernaculaires d’adolescents et changeraient de fantasmes en matière de drogue, de sexe et de tous les maux imaginables du monde wi-fi. Cooper ne nie pas cela. En son cœur, il incarne au travers de ses moyens artistiques les figures de leurs effondrements et de leurs mémoires oniriques en observant et en incarnant avec précision leurs désirs, obsessions et fascinations singulières – récemment, le cinéma qui est essentiel à sa créativité. Fidèle à la quête de Robert Bresson de ne pas jouer la vérité interne et le silence, les jeunes dans le film de Cooper ne font pas de déclarations publiques et ne justifient pas leurs actes importants. Sans ruse morale, et avec des confusions d’explications, elles sont différentes, attrayantes et privées et nous parlent dans une langue secrète, sonore et dans le silence que nous voulons absolument apprendre. Et, à notre grand désarroi, dans le nouveau long métrage de Dennis Cooper et Zac FarleyPermanent Green Light (2018), présenté pour la première fois à la Film Society de Lincoln Center dans le cadre de la série de Dennis Cooper Carte Blanche (du 5 au 6 septembre), un langage et un projet secrets destinés aux enfants sont utilisés exclusivement pour l’acte de soi. explosion et son épanchement parfait dans le vide.

    Comme le dit le poème en prose-type log (co-écrit par Dennis Cooper et Zac Farley) du film, l’histoire de Permanent Green Light est directement centrée sur le rôle principal, le désir de disparition de Roman (avec Benjamin Sulpice) – résolument , auto-détonation – et sa procédure à suivre:

    Roman veut disparaître. Il a dix-neuf ans. Disparaître est la seule chose qui l’intéresse ou qui l’intéresse. Il n’est pas dépressif, religieux ou suicidaire. Son but est de disparaître, la mort n’a pas d’importance. Il veut être la cause de l’effet déroutant de la loi. Après avoir étudié les moyens les plus impressionnants possibles, il décide d’exploser.

    L’idée du film sur l’auto-explosion a germé dans l’attention de Cooper à un garçon australien porté disparu (nommé Jake Bilardi) qui avait rejoint ISIS et s’était fait exploser dans une mission ratée de celui-ci. Sans se soucier des nouvelles bavardantes sur le groupe État islamique et le terrorisme, Cooper était intrigué par le simple fait que ce garçon n’avait aucune intention de commettre cette tentative terroriste et avait seulement réussi à s’effacer physiquement dans cet acte. Et puis, Cooper, dans son tourbillon mental horrifiant et fascinant qui a propulsé sa carrière d’écrivain, a inventé ce scénario à la fois politiquement étrange et métaphysiquement englobant: que se passerait-il si Jake Bilardi voulait simplement disparaître et venait de trouver le contexte public convaincant où il pourrait le réaliser? Après Jake Bilardi, qui est toujours porté disparu, comme il l’a souhaité ou non,

    Au-delà de leur ligne de journal alarmante, tout au long du feu vert permanent, Dennis Cooper et Zac Farley présentent le scénario distillé et clandestin de leur scénario, complété en anglais (identique aux sous-titres anglais du film) et méticuleusement traduit en français (par Zac Farley) pour le tournage en France. Pour eux, la langue n’est pas un conteneur passif pour transmettre le contenu préexistant dans leur esprit, mais un signe nécessaire et captivant, peut-être augure, pour forger le désir, son développement et son effet dans une relation intimement intime avec le public. Bien que tous les rôles – conformément aux instructions minimales des réalisateurs – cristallisent leur langage et exercent une force lyrique et indéterminée à travers celui-ci, Roman, le plus symptomatique de son handicap et de son désir incommunicable, parle la langue de manière si tendue qu’elle compromet le confort du public de voir la bourgeoisie encadrée comme des cadres contraints. À un moment du film, Roman, tenant son alter-ego manquant du dessin de «Pentti Monkkonen» (l’oeuvre de l’artiste visuel Kier Cooke Sandvik) devant le miroir, dit à sa mère: «OK. Je vais en parler, mais / je dois faire attention car je pense que tout est dans votre tête / et je ne vous comprends pas. / (Mère: Puis-je entrer?) /No./Si tu entres, je vais paniquer. / Tu dois rester là, / comme une vidéo. mais / je dois faire attention car je pense que tout est dans votre tête / et je ne comprends pas votre tête. / (Mère: Puis-je entrer?) /No./Si tu entres, je vais paniquer. / Tu dois rester là, / comme une vidéo. mais / je dois faire attention car je pense que tout est dans votre tête / et je ne comprends pas votre tête. / (Mère: Puis-je entrer?) /No./Si tu entres, je vais paniquer. / Tu dois rester là, / comme une vidéo. La lumière verte permanente, la performance poétique du langage, à proximité du silence et de son apparence illusoire, défigurent l’identité et la nature palpables des personnages et de leurs relations en faveur de la peur souterraine et de l’excitation de la disparition.

    Cette énigme et attrait de la langue minimale centrée sur les thèmes de la sexualité queer, de l’amitié impossible et de la mort, est sûrement issu de l’œuvre littéraire de Cooper qui traverse la fiction – notamment le George Miles Cycle (Closer, Frisk, Try, Guide et Période) et The Sluts – roman graphique ( Horror Hospital Unplugged, collaboré avec Keith Mayerson) ainsi que de la poésie ( La tendresse des loups , La police de rêve et Les Weaklings (XL)) et plus récemment, les scénarios de théâtre ont été réalisés en collaboration avec la marionnettiste française Gisèle Vienne. Cependant, dans le mode de cinéma que Cooper a adopté avec son partenaire réalisateur et son âme soeur artistique Zac Farley il y a six ans, l’effet de ses mots écrits a été amplifié dans un tout autre terrain, propice à l’expression du désir complexe et ineffable qui la représentation linguistique en son centre. Et la vertu d’un langage étrange en feu vert permanentréside dans sa convergence organique avec la trace de rêves invisibles que le cinéma, en tant que média virtuel, évoque avec son assemblage de signes de l’image et le son dans son propre coffre-fort: le bâtiment effondré, le feu d’artifice, les piñatas, le jeu de société du Niagara, les dessins de «Pentti Monkkonen» et la musique de Thomas Brinkmann («PSA»), de Destroyer («Ne deviens pas ce que tu as détesté») et de Pig Destroyer («Funérailles permanentes») . En particulier, les paroles de berceuse de Destroyer «Ne deviens pas ce que tu as détesté» (Ne devenez pas / Ne devenez pas / Ce que vous avez détesté / Ce que vous avez détesté / Ce que vous avez détesté / Les soleils se lèvent et les soleils disparaissent à nouveau / Ouvrez vos portes Strathcona / Laissez-les entrer,

    Si le premier long métrage à chaînes de cinq vignettes de Cooper et Farley, Like Cattle Towards Glow (2015) abordait les mécanismes du pouvoir dans la sexualité queer, et l’expérience impossible du désir et de l’isolement avec la visualisation abstruse de son obsession de l’écrivain qui défie la grammaire de la pornographie commerciale. Permanent Lumière vertec’est très differant. Dans son indifférence résolue et utopique à l’égard du symbolisme craintif de l’homosexualité, de la mort et de la mort, le film protège et détruit sa propre place face à la zone immatérielle de désir sans catégorie, purement résumée par la métamorphose d’un enfant en un “feu d’artifice humain”. Dans le film, Cooper et Farley, décevant peut-être leur public «queer» à la recherche d’identité, rompent avec les sujets «transgressifs» de la littérature et du cinéma queer. Ils illustrent – et refusent d’illustrer – une magie en voie de disparition de Roman, utilisant les rêves illicites du cinéma pour l’image et le son zéro degré: en d’autres termes, l’apparition de l’image sans image et du silence. Sans parler de la fin insignifiante et imperceptible du film, lorsque Roman insiste pour écouter le son explosif à travers le haut-parleur, pas à travers les écouteurs, cela provoque l’idée que Roman souhaite faire l’expérience des images et de l’émotion de quelque chose d’inattaquable et de puissant (et à la fois silencieux) qui empiète sur la frontière sensorielle conventionnelle du cinéma. De Philippe GrandrieuxUn Lac (2008) où la texture obscure des ténèbres et du son regorgent de façons de façonner la passion et le crime au cœur du film accompagnerait Permanent Green Green dans la réalisation de sensations et d’affects macabres.

    Feu vert permanent , rappel de AKA Serial Killer de Masao Adachi (1969) et Landscape Suicide de James Benning(1986), le paysage des édifices minimalistes et de la ville est dépourvu de figures humaines. La figure uniforme du paysage, évoquée dans le fûkeiron («théorie du paysage») par le cinéaste de gauche japonais Masao Adachi, implique la structure sociale sous-jacente qui aliénerait et étoufferait ses habitants et évoquerait un sens du crime intangible et puissant. Alors que Cooper et Farley ignoraient la perception par Adachi de cette violence qui imprègne le paysage, il est intéressant de penser à l’effet inquiétant du film à partir de ses manières de représenter le paysage. Malgré la beauté de Cherbourg, une ville située au bord de l’océan, Cooper et Farley n’ont délibérément filmé que les terres sans océans et confinées de la ville. Et dans le film, ils affichent les bâtiments comme des maisons en papier mâché où de petites personnes, les rôles principaux du film, vivre dans des routines sans incident. Ils se connectent parfois avec les autres, mais leurs relations et leurs amitiés sont obliques et incomplètes, et en grande partie inexpliquées. (Un garçon va seul au parc d’attractions et éclate en sanglots. Un autre garçon va au club et commence à pleurer en dansant aux sons électroniques crus. Et une fille collectionne et porte des gilets de suicide dans l’espoir de mourir.) Ils construisent une communauté dans un sens, mais ils se dispersent aussi facilement pour leurs actes importants: suicide ou auto-explosion. Bien que la lecture idéologique désinvolte de Et une fille collectionne et porte des gilets de suicide dans l’espoir de la mort.) Ils construisent une communauté dans un sens, mais ils se dispersent aussi facilement pour leurs actes importants: suicide ou auto-explosion. Bien que la lecture idéologique désinvolte de Et une fille collectionne et porte des gilets de suicide dans l’espoir de la mort.) Ils construisent une communauté dans un sens, mais ils se dispersent aussi facilement pour leurs actes importants: suicide ou auto-explosion. Bien que la lecture idéologique désinvolte de La lumière verte permanente ne ferait pas justice à ce film méta-cinématique et poétique, la corrélation entre le paysage et le crime (autodestruction) dans le film rumine l’horreur du rapport anti-subjectif d’Adachi sur le tueur en série âgé de 19 ans Norio Nagayama et le film Landscape Suicide de Benning, qui esquisse mécaniquement une paire de crimes de Bernadette Protti et Ed Gein, ont fait surface dans le paysage mondain de la classe moyenne américaine.